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Por Anna Ringstrom y Sarah Edmonds

ESTOCOLMO (Reuters) – El legendario director de cine sueco Ingmar Bergman, que influenció a una generación de cineastas con obras a menudo duras sobre temas relacionados con la muerte y el tormento sexual, murió el lunes a los 89 años.

El cineasta y guionista autodidacta murió tranquilamente mientras dormía en su casa en la isla de Faro, en el Mar Báltico, informó su yerno y conocido escritor de novelas policiales, Henning Mankell.

Mankell dijo que su muerte no había sido una sorpresa para su familia.

«Estamos tranquilos de que haya muerto en paz y sin sufrir. Creo que falleció de una manera que mucha gente envidiaría,» dijo Mankell a Reuters por teléfono. «El era un hombre mayor y su corazón se detuvo.»

La comunidad fílmica mundial y del país de Bergman se enlutaron por el fallecimiento de un ícono.

«Era uno de los grandes,» expresó a Reuters Jorn Donner, productor de «Fanny y Alexander,» el último trabajo de Bergman para la pantalla grande con el que ganó cuatro Oscar.

Cissi Elwin, directora ejecutiva del Instituto Sueco de Cine, dijo que Bergman tuvo una breve aparición a principios de este mes, en la celebración anual de su carrera de medio siglo, en la isla de Faro, pero permaneció en una silla de ruedas y lucía muy cansado.

«Es una pérdida enorme,» declaró Elwin. «Es muy, muy extraño e irreal porque Ingmar Bergman es (una parte) tan grande del cine sueco.»

Bergman es famoso por películas como «Fresas salvajes,» «Escenas de la vida conyugal» y «Fanny y Alexander,» que le dieron a Suecia una reputación de melancolía, pero que lo convirtieron en un reconocido maestro del cine moderno.

En total, realizó en 54 filmes, 126 producciones teatrales y 39 obras radiales.

Sus obras maestras cinematográficas a menudo lidian con la confusión sexual, la soledad y una vana búsqueda del sentido de la vida, temas que atribuía a una infancia traumática en la que fue golpeado por su padre, un ministro luterano.

En una inusual entrevista en el 2001, Bergman dijo a Reuters que los demonios personales lo atormentaron e inspiraron a lo largo de su vida.

«Los demonios son innumerables, aparecen en los momentos más inconvenientes y crean pánico y terror,» señaló en ese momento. «Pero aprendí que si puedo dominar las fuerzas negativas y arrearlas a mi carro, entonces pueden trabajar para ventaja mía.»

«Fanny y Alexander,» la sumamente autobiográfica última producción del director para la pantalla grande, cuenta la historia de una familia de clase alta de Uppsala, antes de la Primera Guerra Mundial.

El niño protagonista, Alexander, y su hermana, Fanny, son abusados mental y físicamente por su padrastro, un reverendo inspirado en el padre de Bergman. Al final, Alexander usa poderes supernaturales para tomar una venganza siniestra.

Bergman obtuvo reconocimiento internacional con «El Séptimo Sello,» un filme de 1956 en el cual un cruzado que busca a Dios juega ajedrez con una representación de la muerte.

Directores de cine de todo el mundo lo han nombrado desde entonces como una inspiración.

Woody Allen lo admiró profundamente, rindiendo homenaje al «El Séptimo Sello» en su comedia «Love and Death.»

«El era una de las pocas personas que utilizaba un filme como una genuina forma de arte, como un gran escritor (…) A él no le interesaba el mundo comercial del cine,» dijo Allen a la radio de la BBC al enterarse del fallecimiento.

(Reporte adicional de Fredrika Bernadotte, Helena Soderpalm y Adam Cox en Estocolmo, Terhi Kinnunen en Helsinki y David Cutler en Londres)

Fuente (Reuters): http://lta.today.reuters.com/news/newsArticle.aspx?type=topNews&storyID=2007-07-30T195521Z_01_N30379244_RTRIDST_0_INTERNACIONAL-CINE-BERGMAN-MUERTE-SOL.XML

Todo un caos el film

* La coordinadora del doblaje en español de la película Los Simpson, Marina Huerta, tuvo que respetar los lineamientos de la distribuidora de la cinta e imitar las voces originales que por 15 años dieron un sello a la serie de televisión.

“Ese fue el lineamiento, tratar de imitar lo que estaban haciendo los demás (las voces anteriores), en general así es el doblaje, tienes que imitar el trabajo que previo y cuando hay un cambio de voz tienes que hacerlo como estaba antes como un respeto al público”, reveló Marina Huerta.

Los anteriores actores de doblaje —Humberto Velez (Homero), Nancy McKenzy (Marge), Claudia Mota (Bart) y Patricia Acevedo (Lisa)— detonaron una huelga el 23 de febrero de 2005, por el cambio de razón social del estudio donde grababan esas voces, por lo que los actores pedían respeto al contrato colectivo de trabajo. La huelga terminó el 14 de julio de 2006.

A Marina Huerta, voz del niño mal educado Bart Simpson, le ocurrió lo mismo, cuando le quitaron su personaje, luego de haberlo creado y personificado por más de 10 temporadas.

“Yo lo cree en español , finalmente los personajes tiene un poco de ti, porque los vas haciendo tuyos en la medida de que los vas interpretando. “En el caso de Bart esa gente hizo lo mismo tratar de imitar lo que yo hacía”, dijo la actriz quien también interpreta a la esposa desesperada Marge Simpson en la película y en la serie.

Es el personaje de Marge el que le genera algunas complicaciones, no profesionales, sino emocionales, pues la antigua voz en español de la esposa de Homero Simpson, Nancy Mackenzie fue su amiga.

“Sigue sin gustarme. Me queda claro que jamás me podré igualar a la actriz que lo hacía antes (Nancy Mackenzie), entonces si me siento incómoda tratando de imitarla, finalmente lo hago porque soy una actriz profesional y a esto me dedico, pero no dejo de pensar en esas cosas y de tenerlas encima.

“Yo (a Nancy Mackenzie) la respeto y quiero mucho, me considero dentro de sus amigas y más que molesto es incomodo (imitarla)”, indicó Marina.

La película se estrenará el 1 de agosto con las nuevas voces: Víctor Manuel Espinosa (Homero) y Alexia Solís (Lisa).

Fuente: http://www.periodicodigital.com.mx/index.php?option=com_content&task=view&id=24540&Itemid=67
con información de eluniversal.com.mx

Se anuncia la segunda parte, ¿quiere más o le guiso un huevo, compa?

09/01/2007
Notimex.-Buenos Aires, Argentina.- Los realizadores de la cinta «Una película de huevos», los mexicanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio Alatriste, estrenarán la segunda parte de esa producción en 2009, informó hoy el diario argentino La Nación.

En entrevista con el periódico, los hermanos Riva Palacio Alatriste señalaron que «se viene la segunda parte (de ‘Una película de huevos’) para 2009; trabajamos en el guión. Y estamos haciendo una obra de teatro para estrenar en septiembre» próximo.

Detalló respecto a este último proyecto que «son peluches-huevos que se relacionan con humanos. Esperamos que sea un éxito».

La cinta de animación mexicana, que se estrenará el próximo jueves en los cines argentinos, tuvo un costo de 1.6 millones de dólares y surgió tras el éxito de las animaciones de huevos que colocaron en una página en Internet hace más de cinco años.

Gabriel recordó que «no eran huevos al principio, sino personajes bien mexicanos, como mariachis y bigotones. Pero buscando elementos típicos para agregar llegamos a las comidas, con sus huevos rancheros, huevos ahogados, huevos endiablados».

Precisó que el sitio web recibió tres millones de visitas en sus primeros cuatro meses, tras lo cual decidieron hacer la película que se estrenó en 2006 en México y se convirtió en el largometraje de animación mexicano más taquillero de ese país.

Rodolfo añadió que «nosotros logramos colarnos con una animación al estilo Disney y eso fue fundamental. El dicho, en relación con México, que dice `tan lejos de Dios, tan cerca de Estados Unidos», se aplica también al cine».

«Tenemos a Hollywood a la vuelta de la esquina y la influencia es tal que los mexicanos han visto siempre la animación que llega de allá, de un nivel impresionante y un gran presupuesto», comentó.

Precisó que «cuando presentas algo que no tiene esos estándares ni la estructura cinematográfica de Hollywood, la gente no va. Si bien nuestra película es muy mexicana, su estructura es hollywoodense. Las otras no habían tenido eso en cuenta».

El realizador agregó que «nosotros tenemos una película sobre la búsqueda de un sueño, con una estructura hollywoodense. Pero el estilo y el cuerpo son muy mexicanos y personales, con el humor de mi hermano y el mío”.

Venecia (DPA). Por primera vez en la historia de las 62 ediciones del Festival de Venecia, un director de películas de animación recibe el León de Oro honorífico a su trayectoria: el japonés Hayao Miyazaki, considerado uno de los grandes maestros del género.

El Universal
Sábado 10 de septiembre de 2005
Espectáculos, página 6
Hoy fue recibido en la sala de prensa con un cálido aplauso de admiración. Nacido en enero de 1941, en Tokio, Miyazaki no sólo ha emocionado a millones de niños en todo el planeta con las aventuras de Heidi , sino que ha conseguido fascinar a los adultos con títulos como Mi vecino Totoro, Nausicaa, Porco rosso, La princesa Mononoke o El viaje de Chihiro , largometraje este último que le hizo acreedor de un Oscar y un Oso de Oro en Berlín.

La épica y la fantasía de sus historias, que además ofrecen una lectura crítica del mundo, han abierto un camino a la difusión internacional del manga, los cómics japoneses.

«Nuestra generación se vio influenciada por los comics de los años 50, pero también por la literatura», señaló con modestia Miyazaki, de quien se conoce que evita los medios y es poco amigo de las entrevistas.

Tomado de El Universal

Por Isabel Reynolds

TOKIO (Reuters) – El director de películas más rentable de Japón, Hayao Miyazaki, agregará otro premio a su colección, pero la aclamación de la crítica por su estilo de cuento de hadas, nunca se ha traducido en el éxito de taquilla internacional que merece.

Miyazaki, cuya fantasía animada «El viaje de Chihiro» desplazó a «Titanic» como la película más vista en Japón, recibe el viernes un León de Oro como premio a su trayectoria en el Festival de Cine de Venecia.

Nacido en Tokio en 1941, Miyazaki se graduó en economía y política en la prestigiosa Universidad Gakushuin, donde también cultivó un interés por la literatura infantil.

Consiguió un trabajo como creador de animaciones gráficas para la compañía japonesa Toei antes de convertirse en 1985 en el director del estudio Ghibli, que aún dirige, pese a los sucesivos anuncios de su retiro.

Desde ese lugar el director y sus asistentes produjeron muchas de las películas que le valieron su reconocimiento en Japón, como por ejemplo «Mi vecino Totoro,» favorita de los niños, y una historia más dramática como «La Princesa Mononoke.»

La visión cultural de Miyazaki, quien a menudo protagoniza sus producciones con una muchacha joven en un argumento que combina una perspectiva nostálgica sobre Japón con elementos sobrenaturales, ha encantado a muchos en Hollywood.

«Este tipo es uno de los mejores que jamás ha existido,» dijo John Lasseter, director pionero en la animación digital con «Toy Story,» refiriéndose a la última producción de Miyazaki «El Castillo Errante de Howl.»

«El ha sido una tremenda influencia en mi carrera y en la mayoría de los animadores gráficos y directores de animación de todo el mundo,» agregó Lasseter, quien es el productor ejecutivo de la película.

Irónicamente, Miyazaki, que a menudo lamenta el avance de la modernidad, evita la digitalización insistiendo en el trabajo de dibujos trazados a mano para muchas de sus animaciones.

Miyazaki ganó un Oso de Oro en el Festival de Berlín y un Oscar por «El viaje de Chihiro» como la mejor película animada.

Tomado de Reuters LA

Yue writes, «Vengo llegando de verlas (las 2 se exhiben al mismo tiempo), y déjenme decirles que ni Saint Seiya Tenkai Hen, ni Inu Yasha película 4 me decepcionaron tanto como la película de Tsubasa. Aquí los detalles.«

Entré esperando más de Tsubasa y menos de Holic, ya que ésta última no la leo, y salí exactamente al revés. Primero se exhibe la película de Tsubasa, y déjenme decirles que realmente es una pérdida de tiempo: Mala, sin historia, pocas peleas, realmente nada del otro mundo. Es un como un capítulo de TV, nada más que unos 10 minutos más largo, pero de verdad que solamente los fans que tienen tatuado «CLAMP» en alguna parte del cuerpo podrán decir que medio les gustó la película: Nunca te enteras por qué el malo es malo ni cuál es la razón por la que quiere que la oscuridad cubra para siempre al país en cuestión. No, no, no… De plano, muy mala, sin argumentos. Es más: No vale la pena ni siquiera bajarla por internet cuando esté disponible, de verdad.

Esperaba al menos algo más creativo. Siendo Tsubasa una mezcla de universos, esperaba ver por ahí a gente importante haciendo papeles secundarios, pero nada. Me llevé una terrible decepción.

Pero Holic es otra cosa. Ni parece que las historias de Tsubasa y Holic sean de las mismas autoras. La película de Holic es más larga, con trama, desarrollo y desenlace, y es mucho más entretenida. Con decirles que me estaba quedando dormido cuando terminó Tsubasa, y entre que sí y que no me dormía comencé a ver Holic y terminé más despierto que antes.

Y claro, no podía faltar la típica liga de los 2 mundos, por eso exhiben primero la de Tsubasa: Casi al final de ésta, Shaolan le pide a Yuko algo para abrir un «cerrojo» en el techo, y Yuko le da una llave que puede abrir cualquier cosa, y en la película de Holic, se relata cómo Yuko obtuvo esa llave.

De pilón, siempre que en Japón veo una película de anime o ciencia ficción acostumbro comprar el panfleto (ya tengo una pequeña colección), y al pedirlo, resulta que los panfletos son separados: Uno para Tsubasa y otro para Holic. Ni tardo ni perezoso seleccioné el segundo. Eso sí: Mercancía de las 2 películas hay para aventar para arriba: Lo de Tsubasa es más colorido, más llamativo, mientras que lo de Holic es un estilo más místico, más dark.

Definitivamente NADA recomendable la película de Tsubasa, pero la de Holic SÍ vale la pena.